“No se puede tratar al público de forma condescendiente y paternalista”

Rafael Lozano-Hemmer presenta estos días en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid la exposición ‘Abstracción Biométrica’, una muestra compuesta por nueve instalaciones que los visitantes modifican continuamente con sus constantes vitales. En 360 Grados Press hemos aprovechado la oportunidad para charlar con este artista electrónico mexicano que se mueve a la perfección en sus obras en la frontera entre la arquitectura y el arte de la performance.

RafaelLozano-Hemmerdisfruta explicando a los asistentes la intencionalidad y el funcionamiento delas nueve instalaciones que componen Abstracción Biométrica. Y disfrutatodavía más viendo las caras de sorpresa y admiración de los periodistas quehan asistido en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid a la presentación deuna muestra que promete atrapar al público madrileño con su mezcla detecnología, arte y biometría.

Muy solicitado por los medios, nosconcede una entrevista en una de las instalaciones de la exposición, ‘Respiraciónviciosa’. “No suelo entrar enella porque me da asco”, dice entre risas. Y pese al cansancio y al hambreque empiezan a hacer mella en su organismo, nos dedica toda su atención duranteveinte minutos en los que este artista de “vocación empírica” desgrana su obra y su concepción del arte.

Más de 20 años debiometría resumidos en nueve obras, ¿qué se va a encontrar el visitante enAbstracción Biométrica?

Laexposición consta de nueve instalaciones que abarcan un periodo de tiempo desde1992 hasta 2014 y son instalaciones que tienen como temática la idea de que lacaptura, el archivo y la transformación de los signos vitales del público sonparte integral de la obra de arte. Es decir, el contenido no es algo que mehaya traído yo del pasado, si no que es un contenido generado por la exposicióncuando los visitantes dejan sus huellas, su rastro y su respiración en laexposición.

¿Cómo le encuentra unoel lado artístico a la biometría?

Ellado artístico siempre tiene que ver con el absurdo, con la perversión, con lasoledad, con las hormonas, con la revancha, con los celos, con la muerte, conla evocación de la simbología… que de alguna forma son cosas que hacenresponder al público, ya sea de una forma emocional, crítica o poética. En elcaso de estas obras, depende de sobre cuál estemos hablando, pues hay algunasque son un poco más lúgubres, otras son más de celebración… Depende mucho decada obra.

La exposición estuvo conanterioridad en Estambul. ¿Es exactamente la misma exposición o vamos aencontrar alguna novedad en Madrid?

Enesta exposición tenemos las mismas obras que en Estambul pero le hemos añadido “Almacénde corazonadas”, que es una obra importante del 2006 que ahora está en lacolección de arte moderno del museo de Nueva York. Consta de 100 bombillas queresponden a los latidos del público.

Uno lee la nota deprensa y la información sobre la exposición y no se siente especialmenteatraído por la misma. Y, sin embargo, una vez aquí los asistentes se quedanalucinados. ¿Cómo podemos venderla para que la gente rompa esa primera barrerainicial?

Esees tu trabajo, no el mío (risas). No, es que normalmente la información resultademasiado repetitiva e insiste mucho en lo novedoso, en el futuro… Hay como unlenguaje que incluso puede ser corporativo. Yo lo que quisiera es que realmentela gente que venga aquí, venga exigiendo un cierto nivel de experienciadentro  de tradiciones de experimentaciónmuy antiguas. Yo, por ejemplo, pienso que se debería decir que en estaexposición hay una máquina en la que, si participas mucho, falleces. Yo creoque eso es un poco morboso, pero a lo mejor ese morbo atrae a la gente. Notengo duda de que se va a llenar la exposición.

Lo que tampoco tengo duda esque a muchos críticos de arte esta exposición les va a parecer que no tienemérito. Y no tengo duda de eso porque los artistas, los críticos, losdirectores de museo o los coleccionistas tenemos todos una cierta forma deentender el arte que es elitista, diseñada para ciertos grupos de entendidos, ytenemos la sensación de que al abrir las puertas al público dejas de tener elcontrol exclusivo sobre las obras. Y eso es muy difícil de aceptar para el enteartístico. Yo soy de la opinión de que al público no hay que tratarlo de formacondescendiente y paternalista, si no que hay que darle las herramientas y lasplataformas para que puedan expresar la sofisticación que ellos pueden ofrecer.

En tu obra haces uso dela tecnología como soporte, pero también como lenguaje. Aún así, resultainevitable la pregunta: ¿Podemos considerar a la tecnología como arte?

Latecnología no es que sea arte. El arte, por definición, debe utilizar losmedios de su día y la tecnología es el lenguaje de nuestro tiempo. Es algoinevitable. La tecnología en ocasiones se utiliza para generar arte, pero elarte debe ser juzgado por sus propios méritos.

Tus obras en general ylas que podemos ver en esta exposición en concreto proponen un cambio en larelación con el espectador. El público interactúa con la obra y a la vez lohace con el resto del público. ¿Podemos considerarlo con una forma de acercarel arte al espectador?

Yono creo en el concepto de democratización del arte. Hace poco en Le Monde dijeron de mí que era unartista megalodemócrata, es decir,que me interesa incorporar el máximo número de gente en la fiesta y hacerlospartícipes de las obras. La palabra hasta me gusta, pero sin embargo para mí esimportante subrayar que mis obras no son necesariamente siempre proposicionesde participación, si no que son obras que en ocasiones también son lúgubres,como la pieza de “respiración viciosa”, una obra en la que si participasdemasiado mueres. Entonces no se trata de celebrar lo que es la tecnología, sino utilizarla para generar diversos tipos de sensaciones.

En la presentación de laexposición te definían como “un artista electrónico que desarrollainstalaciones interactivas  entre la arquitectura y el arte de la performance“. Pero me gustaría saber cómo te defines túcomo artista.

Digamos que soy un artista que se interesa muchopor la experimentación. Un artista con vocación empírica al que le gustacompaginar diferentes medios y no saber cuál va a ser el desenlace final de laobra hasta el momento en el que el público mismo reacciona con ella.

Hasexpuesto en muchos de los museos más emblemáticos del mundo y ahora lo hacespor segunda vez en el espacio Fundación Telefónica. ¿Qué destacarías de esteespacio?

Mi relación con Fundación Telefónica viene de muylejos y tengo que decir que siempre me ha gustado mucho el trabajo deTelefónica porque, aunque es una multinacional, apuesta sin necesidad dehacerlo por el arte, especialmente por el arte con riesgo. Creo que másempresas deberían hacer lo que Telefónica hace con el arte experimental. Nosólo con nuevos medios, si no en la posibilidad de ofrecer premios como VIDA,que ofrecen un incentivo a los nuevos creadores para la producción artística.

La insitución, por cierto, acaba de lanzar el Proyecto Mute con la intención depromover el silencio en una sociedad que abusa del ruido. ¿Qué importancia ledas al silencio en el proceso creativo?

Mucha. El silencio, como las sombras, nos brindamomentos que nos permiten reflexionar sobre lo posible. Creo que todosdeberíamos ahondar mucho más en el silencio.

Laura Bellver